Перевести страницу

Топ 13 - Художники - авторы самых дорогих в мире произведений искусства

Художники — авторы самых дорогих в мире произведений искусства

Источник: ARTinvestment.RU


ФРЕНСИС БЭКОН Три эскиза с Лусиеном Фрейдом. 1969

ФРЕНСИС БЭКОН

Три эскиза с Лусиеном Фрейдом. 1969

Холст, масло. Каждая часть — 198 х 147,5

Christie’s. 12.11.2013. Лот 8А

Эстимейт по запросу (от 85 миллионов долларов)

Результат: 142,4 миллиона долларов


1. ФРЕНСИС БЭКОН. Три эскиза с Лусиеном Фрейдом. 1969. Christie’s. 12.11.13. 142,4 миллиона долларов

На торгах послевоенного и современного искусства Christie’s 12 ноября 2013 года триптих Френсиса Бэкона «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом» был продан за ошеломительную сумму — 142,4 миллиона долларов. Такая высокая цена — рекордная для художника и для всего арт-рынка — была скорее неожиданной, чем закономерной. До торгов триптих оценивался от 85 миллионов долларов (точный эстимейт предоставлялся по запросу). Предыдущий рекорд для работ Бэкона, державшийся с 2008 года, был как раз в районе 85 миллионов — а если точнее, то составлял 86,281 миллиона долларов. Столько на торгах Sotheby's в Нью-Йорке 14 мая 2008 года заплатил за «Триптих» 1976 года Роман Абрамович.

Чтобы выйти на уровень цен времен арт-бума, да еще и превзойти его, аукционному дому необходимо было заполучить действительно выдающееся произведение. Триптих «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом» 1969 года под это определение подходит вполне.

Во-первых, для этого триптиха Бэкону позировал не менее известный его коллега Лусиен Фрейд. Художники Лусиен Фрейд и Френсис Бэкон познакомились в 1945 году и дружили на протяжении десятков лет, хотя и соперничали друг с другом в профессиональном плане. Фрейд и Бэкон неоднократно писали портреты друг друга. Создание «Трех эскизов с Лусиеном Фрейдом» проходило в стенах лондонского Королевского колледжа искусств (собственная мастерская Бэкона в то время пострадала от пожара). Одним этим триптихом вы, так сказать, приобщаетесь к двум мэтрам послевоенного искусства одновременно: один из них изображен на полотне, другой его написал.

Во-вторых, это один из двух существующих триптихов Бэкона, на которых модель изображена в полный рост. Второй такой триптих, 1966 года, в последний раз экспонировался на выставке в 1992 году, однако неизвестно, где он находится сейчас.

В-третьих, у триптиха уж очень жизнерадостный фон — солнечно-желтый. Такой позитив для мрачно-сюрреалистичного творчества Бэкона, откровенно говоря, не типичен. Какой-то зарубежный аналитик после рекордной продажи даже назвал этот цвет «цветом золота, магнетически действующим на коллекционеров».

Френсис Бэкон считал этот триптих одной из лучших своих работ; он был одним из важнейших экспонатов на знаменательной ретроспективе художника в Гран-Пале в 1971–1972 годах. Позже, в середине 1970-х, части триптиха были разъединены почти на 15 лет. Одна из них выставлялась самостоятельно на выставке в «Тейт» в 1985 году. Бэкон крайне отрицательно отнесся к этому разделению; под фотографией отъединенной левой части триптиха он написал: «фрагмент триптиха… и я полагаю, что он теряет смысл, пока не будет воссоединен с двумя другими фрагментами». Части вновь были собраны вместе в 1999 году, на выставке в американском Нью-Хэвене (штат Коннектикут). И вот теперь все три ростовых портрета Лусиена Фрейда достались новому покупателю за 142,4 миллиона долларов. Говорят, что триптих был куплен Уильямом Аквавеллой, возможно, в интересах клиента.


ЭДВАРД МУНК Крик. 1895

ЭДВАРД МУНК Крик. 1895

Картон, пастель. 79 х 59

Sotheby’s. 02.05.2012. Лот 20

Эстимейт: по требованию

Результат: 119 922 500 долларов


2. ЭДВАРД МУНК. Крик. 1895. Sotheby’s. 02.05.12. 119,9 миллиона долларов

2 мая 2012 работа Эдварда Мунка «Крик» на торгах Sotheby’s была куплена за 119 922 500 долларов. С таким результатом пастель 1895 года обошла работу самого Пабло Пикассо (Pablo Picasso) «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» (которая, к слову, продержалась на вершине рейтинга два года без двух дней).

Картина — одна из четырех существующих версий известного сюжета и единственная находившаяся в частных руках (три остальные находятся в норвежских музеях). Она уникальна еще и тем, что на раме, сделанной самим художником, красной краской написано его стихотворение: «Мои друзья проследовали дальше, / А я остался позади, / Дрожа от тревоги: / Я ощущал оглушительный Крик Природы. Э.М.».

Работа была выставлена на торги норвежским бизнесменом Петтером Ольсеном (Petter Olsen), сыном друга, соседа и патрона Мунка Томаса Ольсена (Thomas Olsen), приобретшего ее в 1937 году. После торгов бывший владелец рассказал, что для него смысл картины — это встреча со смертью, а также, в контексте сегодняшнего дня, пугающее осознание того урона, который был нанесен человечеством природе.

Прибыль от продажи картины частично пойдет на создание музея в городе Хвитстене (Норвегия), где некогда жили Мунк и Томас Ольсен; в будущем музее разместится собрание Петтера Ольсена, который также занимается реставрацией дома и мастерской Мунка.

Цена картины Мунка — это по всем статьям сверхрекорд. До торгов 1 мая 2012 самой дорогой пастелью в мире была работа Эдгара Дега (Edgar Degas) «Отдыхающая танцовщица» (ок. 1879), заработавшая 37 миллионов долларов на нью-йоркских торгах Sotheby’s в ноябре 2008 года. Этот рекорд оставил далеко позади и предыдущий рекорд Мунка, установленный картиной «Вампир» 1894 года, которая принесла 38,1 миллиона долларов на торгах Sotheby’s в Нью-Йорке в ноябре 2008 года (покупателем выступила галерея Гагосяна).


ПАБЛО ПИКАССО Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев. 1932

ПАБЛО ПИКАССО Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев. 1932. Холст, масло. 162x130

Christie’s. 4.05.2010. Лот № 6

Эстимейт: 70–90 миллионов долларов

Результат: 106,5 миллиона долларов



ПАБЛО ПИКАССО Мальчик с трубкой. 1905

ПАБЛО ПИКАССО Мальчик с трубкой. 1905. Холст, масло. 99,7х81,3. Эстимейт: по запросу. Цена продажи: 93 млн долл. Sotheby`s. 05.05.04. Лот № 7

3. ПАБЛО ПИКАССО. Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев. 1932. Christie’s. 04.05.10. 106,5 миллиона долларов

Пабло Пикассо (1881–1973) — основоположник кубизма, выдающийся живописец, график, скульптор и керамист, оказавший сильнейшее влияние на развитие всего искусства ХХ века.

4 мая 2010 года картину Пикассо «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» (1932) купили на аукционе Christie’s 4 мая 2010 года за 106,5 миллиона долларов. Огромный декоративный холст высотой 1,6 метра, на котором изображена возлюбленная художника Мари-Терез Вальтер, удостоился самой высокой в истории предварительной оценки: 70–90 миллионов. Работа происходит из коллекции известного калифорнийского филантропа Фрэнсес Броуди. Christie’s удалось заполучить право выставить на торги это собрание благодаря смелому по кризисным временам решению предоставить продавцу гарантию.

Интерес к полотнам этого периода подстегнула выставка-блокбастер «Пикассо и Мари-Терез», прошедшая в 2008 году в нью-йоркской галерее Acquavella. Работы предоставили такие музеи, как МоМА, Метрополитен, Гуггенхайм и галерея Тейт Модерн. Основное внимание публики было привлечено к картине «Сон», которую игорный магнат Стив Уинн собирался в 2006-м продать за 139 миллионов долларов (но сделка не состоялась, так как коллекционер случайно проткнул полотно локтем).

Большинство картин, вошедших в эту экспозицию, а также «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев», которая в выставке не участвовала, были выполнены к ретроспективе Пикассо в галерее Жоржа Пети, прошедшей в 1932 году. Есть мнение, что побудительным мотивом к созданию этих полотен послужила творческая ревность: увидев в 1931-м ретроспективу своего соперника Матисса, художник обещал себе, что в течение года тоже устроит подобную крупную выставку, и начал основательную подготовку. За несколько месяцев он написал значительное число картин с наиболее волнительным для него сюжетом: Мари-Терез, очаровательная возлюбленная, с которой Пикассо начал встречаться, когда ей было 17 лет, а художнику — 45. Формат Пикассо выбрал беспроигрышный: очень декоративная живопись, отличающаяся чувственностью форм и оттенков, с отсылками на творчество других гигантов (от Энгра до того же Матисса) — не говоря уж о привлекательной «легкой» теме.

Напомним, что главный модернист ХХ века стал первым художником в истории, кому удалось преодолеть ценовой рубеж в 100 миллионов долларов в рамках открытой конкурентной сделки. В 2004 году на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел работу «Мальчик с трубкой» (Garçon а la Pipe) 1905 года за 104,168 миллиона долларов. Репродукции «Мальчика с трубкой» опубликованы чуть ли не во всех книгах о Пикассо (от статьи Жана Кокто 1923 года до каталогов-резоне), полотно не раз экспонировалось в самых авторитетных музеях мира, включая лондонскую галерею Тейт и нью-йоркский Музей современного искусства. Судьбу картины можно проследить начиная с 1910 года. В 1950-м шедевр «розового периода» приобрели супруги Уитни, которые позже передали его вместе с большой коллекцией произведений искусства в благотворительный фонд Greentree Foundation, который занимается правозащитной деятельностью, а также международными образовательными проектами. Коллекция Джона Хэя Уитни считалась одной из лучших коллекций импрессионизма и искусства художников XX века.

«Мальчик с трубкой» написан в 1905-м, когда художник жил и работал, причем весьма успешно, в Париже. Тем не менее на «творческом календаре» Пикассо этот период — ранний, докубистский и, кстати, самый ценный. Полотно относится к редкому для любого мастера разряду знаковых картин: оно знаменовало собой переход художника от «голубого» периода к «розовому». Прецедентов аукционных продаж работ Пикассо такого уровня и этого периода (тогда же была написана, в частности, «Девочка на шаре», хранящаяся в ГМИИ им. А. С. Пушкина) нет, и именно уникальность лота обеспечила столь ожесточенную борьбу за картину.

Пикассо считается одним из самых «продуктивных» художников: в рыночный оборот вовлечено несколько тысяч его произведений. Но массовость обеспечивают преимущественно его поздние работы, которые и стоят в разы дешевле. Иногда складывается ощущение, что автор картин «голубого» или «розового» периодов на рубеже веков, кубист Пикассо и стареющий мэтр искусства ХХ века, каким он стал после Второй мировой войны, — это три разных человека, три разных художника.


ЭНДИ УОРХОЛ Серебряная автокатастрофа (Двойная авария). 1963

ЭНДИ УОРХОЛ Серебряная автокатастрофа (Двойная авария). 1963

Холст, шелкография, серебряная аэрозольная краска. 267,4 x 417,1

Sotheby’s. 13.11.2013. Лот 16

Эстимейт по запросу (около 60–80 миллионов долларов)

Результат: 105,4 миллиона долларов


4. ЭНДИ УОРХОЛ. Серебряная автокатастрофа (Двойная авария). 1963. Sotheby’s. 13.11.13. 105,4 миллиона долларов

Было бы странно, если бы в десятку авторов самых дорогих в мире работ не попал король поп-арта Энди Уорхол (1928–1987). Тогда пришлось бы признать, что массовое сознание и выбор коллекционеров — это два никак не сообщающихся сосуда. Потому что Уорхол едва ли не самый популярный художник ХХ столетия. Хотя не Уорхол «изобрел» поп-арт, именно он стал лицом этого направления. Он не только высмеивал культ потребления, а ввел эти идеи в искусство (сохранив при этом в своих работах элемент иронии), создал новое направление, собравшее целый круг последователей.

Шесть лет Энди Уорхол переминался на последних позициях нашего рейтинга — слишком много было мастеров «помаститей» и подороже — от Рубенса до Климта. Долгое время лучшим результатом Уорхола были 71,7 миллиона долларов, заработанные шелкографией «Зеленая автокатастрофа» (1963) на торгах Christie’s в мае 2007 года (эстимейт 25–35 миллионов долларов). Но времена меняются — все реже на рынок попадают шедевры старых мастеров, импрессионистов или модернистов. Ключевые сделки теперь заключаются в сегменте послевоенного и современного искусства. Искусство второй половины ХХ — начала ХХI века неумолимо растет в цене, и текущий персональный рекорд Энди Уорхола тому прямое подтверждение.

На торгах послевоенного и современного искусства Sotheby’s 13 ноября 2013 года (на следующий день после аналогичных торгов Christie’s, где триптих Френсиса Бэкона был продан за 142,4 миллиона) шелкография Энди Уорхола «Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)» установила новый мировой рекорд на произведения художника — 105,4 миллиона долларов. Эта работа так же, как и «Зеленая катастрофа», относится к большому циклу «Смерть и катастрофы», в котором художник отражал итоги трагических дорожно-транспортных происшествий.

«Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)» входит в группу из четырех двухчастных работ Уорхола 1963 года с изображением автокатастроф. Остальные три работы серии хранятся в музеях, и только «Серебряная автокатастрофа» остается в частных руках. Работа обладает прекрасным провенансом: она побывала в коллекциях Гюнтера Закса (Gunter Sachs), Чарльза Саатчи (Charles Saatchi) и Томаса Амманна (Thomas Ammann). На торги Sotheby’s работу выставил частный европейский коллекционер, владевший ею более 20 лет.

Художник использовал снимки дорожных аварий из газет, которые многократно печатал на холсте методом шелкографии, используя серебристую отражающую краску. Работа достигает размера 2,4 х 4 метра; на одной половине — множественное изображение врезавшейся в дерево машины; вторая часть — монохромная серебристая поверхность.

Все слагаемые аукционного успеха налицо — редкость работы, значимость ее в наследии автора, хороший провенанс. Трудно сказать, что сегодня сильнее привлекает в творениях Уорхола коллекционеров —бренд, пресловутая «ирония» или некий философский подтекст… Но то, что в 1962 году можно было купить за 100 долларов (именно столько тогда стоили «Банки супа Кэмпбелл»), а в 1978 году — за несколько десятков тысяч, теперь стоит десятки миллионов.


АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ Идущий человек I. 1961

АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ Идущий человек I

1961 Бронза. Высота 183

Sotheby’s. 03.02.2010. Лот № 8

Эстимейт: 12–18 миллионов фунтов

Результат: 65 миллионов фунтов


5. АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ. Идущий человек I. 1961. Sotheby’s. 03.02.10. 104,3 миллиона долларов

Рейтинг ARTinvestment.RU, впервые опубликованный летом 2008 года, первоначально назывался «Художники — авторы самых дорогих в мире картин». Авторитет живописи на аукционном рынке настолько неоспорим, что никто и представить себе не мог, что статью придется переименовывать, тем более в первый посткризисный год, когда еще свежи воспоминания о проваливающихся один за другим аукционах. То есть даже от картин мировых рекордов не ждали, что уж говорить о «неживописных» лотах! Однако немыслимое случилось: «Мальчику с трубкой» Пикассо, безраздельно царившему на вершине рынка с 2004 года, пришлось подвинуться. Его обошла по цене скульптура — бестелесный «Идущий человек I» великого швейцарского скульптора Альберто Джакометти (1901–1966), проданный 3 февраля 2010 года за 65 миллионов фунтов стерлингов (104,3 миллиона долларов).

Результат оказался для всех полнейшим сюрпризом. Конечно, «Идущий человек», без сомнения, самый знаменитый образ художника, да и вообще один из самых узнаваемых образов искусства модернизма, по общеизвестности своей сравнимый с расплавленными часами Дали, «решетками» Мондриана и автопортретами Фриды Кало. Но все-таки скульптура не уникальная, тиражная (было отлито 6 экземпляров). Да и появление «идущих» скульптур на аукционе — дело не такое уж и редкое; правда, в основном на торги выставляются человечки поменьше («рост» рекордсмена составляет 183 см). Ожидалось, что работа установит персональный рекорд: специалисты Sotheby's дали ей эстимейт 12–18 миллионов фунтов (самым дорогим творением Джакометти на тот момент была «Большая стоящая женщина II», принесшая в 2008 году 27,5 миллиона долларов, или 14 миллионов фунтов). Оба изваяния должны были войти в скульптурную композицию, которую предполагалось разместить на Chase Manhattan Plaza в Нью-Йорке, но художник не завершил этот проект, решив, что вместо нескольких фигур на площади лучше поставить одну большую. Он и его брат Диего начали работать над 7-метровой статуей женщины, но довести дело до конца им не удалось: в конце 1965-го Джакометти заболел и вскоре скончался. После смерти скульптора было сделано множество новых отливок его произведений, благодаря чему ценность прижизненных экземпляров существенно возросла. На мировых аукционах регулярно появляются отлитые до 1966 года «идущие» и «падающие» мужские фигуры, «стоящие женщины» и бюсты, которые исправно приносят миллионы долларов. «Идущий человек I» примечателен тем, что является первым экземпляром своей отливки, появившимся на открытых торгах, а также единственным из шести, находящимся в частных руках.

Кстати, про частные руки. Естественно, первым, кого заподозрили в покупке работы, стал Роман Абрамович, который в 2008 году приобрел на «Арт-Базеле» Джакометти за 14 миллионов долларов. Но представители миллиардера поспешили заверить прессу, что он тут не при чем. Так что пока имя нового владельца скульптуры окутано тайной. Раньше «Идущий человек» принадлежал немецкому Dresdner Bank, который получил его «в наследство» от поглощенного им Commerzbank. Последний купил работу в 1980 году у именитого дилера Сидни Джениса.

Медиа-шумиха вокруг грандиозных продаж Джакометти несколько заслоняет тот факт, что он был одним из самых пронзительных художников XX столетия. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры символизируют отчужденность. Человек у Джакометти предоставлен самому себе, он не нужен никому, кроме себя самого, у него нет опоры в виде бога, который смог бы его защитить. Джакометти — великий гуманист: его творчество говорит нам, что человек может надеяться только на человека, что он в полной мере ответственен за себя и других. У фигур Джакометти большие ступни: несмотря на все потрясения, люди крепко стоят на земле/упорно движутся к своей цели. Лица его скульптур — потрясающие: заостренные черты, очень живой взгляд.

К своему знаменитому стилю художник пришел в начале 1940-х годов; до этого он (весьма удачно, надо сказать) экспериментировал с кубизмом и сюрреализмом. Наследие Джакометти включает не только скульптуры, но и живопись (которая, к слову, тоже стоит очень дорого: в ноябре прошлого года «Голова мужчины» (1964–1965) принесла на Sotheby’s 3,3 миллиона долларов), рисунки, оттиски и даже лампы.

Согласно artprice.com, 100 евро, условно вложенные в работы Джакометти в 1998 году, к январю 2010 года превратились бы в 490 евро.

ГУСТАВ КЛИМТ Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912

ГУСТАВ КЛИМТ Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912. Холст, масло. 190х120. Эстимейт: 40–60 млн долл. Цена продажи: 78,5 млн долл. Christie’s. 08.11.06. Лот № 54

6. ГУСТАВ КЛИМТ. Портрет Адели Блох-Бауэр II. 1912. Christie’s. 08.11.06. 87,936 миллиона долларов

Строго говоря, «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) — это не самое дорогое из известных произведений Густава Климта. Незадолго до этой рекордной аукционной сделки прошла другая — частная закрытая, а потому ее результаты нельзя использовать для рейтинга. Но сам-то результат известен, точнее, не опровергнут. Другое изображение той же дамы — «Портрет Адели Блох-Бауэр I» 1907 года — было при посредничестве Christie’s приобретено летом 2006 года парфюмерным магнатом Рональдом Лаудером за 135 миллионов долларов. На тот момент эта сумма была самой большой из когда-либо уплаченных за одно произведение искусства (потом ее перебила частная сделка с работой Джексона Поллока, купленной за 160 миллионов долларов). Так что формально самым дорогим аукционным лотом кисти Климта остался «Портрет Адель Блох-Бауэр II» 1912 года, который был продан на аукционе Christie's 8 ноября 2006 года за 87,9 миллиона долларов коллекционеру, пожелавшему остаться неизвестным. В тот же день были проданы картины Климта Houses in Unterach on Lake Atter (Hauser in Unterach am Attersee, 1916); Apple Tree I (Apfelbaum I, около 1912) и Birch Forest (Buchenwald) — суммарно за 103,4 миллиона долларов.

Тут впору удивиться, откуда такое изобилие шедевров художника, работы которого очень редко появляются на торгах? А тут сразу четыре холста, да еще и музейного уровня. Разгадка проста: собственно, из музея они и есть. На торги они попали в итоге долгого реституционного спора. Оба портрета и другие картины Климта находились в семье Адели и Фердинанда Блох-Бауэра, богатого сахарозаводчика. 43-летняя Адель умерла от менингита в 1925 году, и по ее завещанию картины должны были быть переданы австрийскому правительству после смерти Фердинанда. В 1938 году Австрия была аннексирована Германией, Фердинанд Блох-Бауэр успел скрыться в Швейцарии. Картины же еврейского сахарозаводчика, включая несколько работ Климта, конфисковали, после чего часть их отправили в австрийскую Галерею Бельведер, а часть распродали. Уже в Швейцарии Фердинанд Блох-Бауэр переписал завещание в пользу детей своего брата. До наших дней из них дожила лишь Мария (по мужу Альтман), которой уже исполнилось 90 лет. Она уехала из Австрии в США в 1942 году. Спор за конфискованное имущество велся с 2000 года. Австрийское правительство апеллировало к одному завещанию, наследники — к другому. В итоге австрийский арбитражный трибунал поддержал позицию верховного суда США и принял решение возвратить пять работ Климта наследникам во главе с Марией Альтман.

Такое решение далось нелегко и стало потрясением для австрийцев. В 2006 году даже появились сообщения о том, что правительство призвало сограждан выкупить полотна, чтобы хранить национальное достояние в стране. Тогда стоимость пяти холстов (включая портрет, купленный позднее Лаудером) эксперты оценили не менее чем в 245 миллионов долларов. Планировалось даже выпустить облигационный заем на Климта. Когда же идея провалилась, Бельведер от греха подальше была вынуждена убрать холсты из экспозиции (в том числе и под давлением анонимной угрозы уничтожить картины, чтобы они не достались наследникам).

Густав Климт (Gustav Klimt, 1862–1918) — признанный новатор, основатель Венского Сецессиона (института, отказавшегося от академизма в творчестве), художник, не раз шокировавший публику в свое уже отнюдь не пуританское время. С именем Климта устойчиво ассоциируются таинственные слухи о том, что в саду художника, где он черпал вдохновение, ходили обнаженные женщины, включая дам аристократических кругов. Климт был весьма востребован уже при жизни, причем ему удалось добиться как признания официальных властей, став воплотителем идей национального символизма (в 1883 году император Франц Иосиф I даже наградил его главной имперской наградой, доступной австрийскому художнику, — Золотым орденом за заслуги), так и благосклонности самых влиятельных и богатых частных заказчиков. Декоративность, изысканность и эротизм произведений Климта сделали их желанным украшением интерьеров самым роскошных домов в начале ХХ века. И надо сказать, что со временем в этом стремлении мало что изменилось.

Продажа наследниками произведений Климта из коллекции Фердинанда Блох-Бауэра — уникальный случай, когда на рынке появились вещи мирового «музейного» масштаба в буквальном смысле этого слова. Произведения такого уровня появляются на рынке раз в несколько десятилетий, поэтому и ставки столь высоки.

МАРК РОТКО Оранжевое, красное, желтое. 1961

МАРК РОТКО Оранжевое, красное, желтое. 1961


Холст, масло. 236,2 x 206,4


Эстимейт: 35–45 миллионов долларов


Цена продажи: 86,9 миллиона долларов


Christie’s. 8.05.2012. Лот 20

7. Марк Ротко. Оранжевое, красное, желтое. 1961. Christie’s, 8.05.12. 86,9 миллиона долларов

Один из самых загадочных художников современности. Его жизненный путь словно соткан из противоречий — в творческих поисках, в поступках, в жестах… Считающийся одним из идеологов и безусловно ключевой фигурой в американском абстрактном экспрессионизме, Ротко не выносил, когда его работы называли абстрактными. В прошлом хорошо знавший, что такое жизнь впроголодь, он демонстративно вернул заказчикам совершенно фантастический в пересчете на нынешние деньги аванс, оставив себе почти полностью законченную работу. Ждавший своего успеха и возможности зарабатывать на жизнь живописью почти пятьдесят лет, он нарочито отказывал людям, способным при желании разрушить его карьеру (что не раз бывало в истории). Как минимум социалист в душе, разделявший идеи Маркса, неприязненно относившийся к богачам и богатству, Ротко стал в итоге автором самых дорогих картин в мире, которые фактически превратились в атрибут высокого статуса своих владельцев. (Шутка ли, рекордный «Белый центр», проданный за 65 миллионов долларов, происходил из семьи Рокфеллеров.) Мечтавший о массовом зрителе, стал в итоге создателем картин, до сих пор понятных лишь узкому кругу интеллектуалов и ценителей, если не считать народным признанием тот факт, что имя художника стало брендом, а высокие образы работ были растащены на рекламные символы. Наконец, искавший разговора с господом через музыку своих холстов, художник, работы которого стали центральным элементом оформления церкви всех религий (http://rothkochapel.org), закончил жизненный путь совершенно отчаянным богоборческим актом…

Ротко, помнившему черту оседлости и казаков, вряд ли сильно понравилось бы то, что его причисляют к русским художникам. Впрочем, антисемитизма хватало и в Америке тридцатых, не случайно художник «урезал» родовую фамилию. Но мы называем его русским не без оснований. Для начала — по факту рождения. Латвийский Двинск, нынешний Даугавпилс, на момент рождения Маркуса Ротковича — это часть России, и она будет оставаться таковой вплоть до распада империи, до 1918 года. Правда, революцию Ротко уже не увидит. В 1913 году мальчика увозят в США, семья переезжает в Портленд, штат Орегон. То есть детство и отрочество прошли в России, здесь формировалось жизненное восприятие, кругозор. Кроме того, что здесь он появился на свет, с Россией Ротко связывают, что интересно, и мировоззренческие темы, и конфликты. Известно, что он ценил труды Достоевского. Его собственное творчество ряд знатоков противопоставляют работам Малевича: если черный квадрат — это конец живописи, то цветовые пятна Ротко — это ее продолжение. И даже на уровне страстей Ротко предавался пороку, который в мире ассоциируется почему-то именно с русскими. Не аргумент, но еще один штрих для цельности натуры русского художника.

К своим новаторским открытиям в живописи Ротко шел долгих 15 лет. Прошедший через многие фигуративные увлечения, в том числе через сюрреализм и фигуративный экспрессионизм, в середине 1940-х Ротко предельно упростил структуру своих картин, ограничив выразительные средства несколькими красочными блоками, образующими особую композицию. Интеллектуальная основа его работ — это почти всегда вопрос трактовки. Ротко обычно не давал прямых ответов, рассчитывая на соучастие зрителя в осмыслении работы. Единственное, на что он определенно рассчитывал, — на эмоциональную работу зрителя. Его картины не для отдыха, не для релаксации и не для «визуального массажа». Они рассчитаны на сопереживание. Одни видят в них окна, позволяющие заглянуть в душу зрителя, другие — двери в иной мир. Есть мнение (возможно, наиболее близкое к истине), что его цветовые поля — это метафорические изображения бога.

Декоративная сила «цветовых полей» объясняется рядом специальных технических приемов, используемых Ротко. Его картины не терпят массивных рам — максимум тоненькие плашки-кромки, и то в цвет холста. Края картин художник намеренно тонировал в градиент так, чтобы живописное поле теряло границы. Нечеткие границы внутренних квадратов — это тоже прием, способ без контраста создавать эффект дрожания, кажущегося взаимного наложения цветовых блоков, пульсации пятен, словно дрожания света электрических ламп. Это растворение цвета в цвете и мягкость переходов особенно удавались маслом, до перехода Ротко на непрозрачный акрил в конце шестидесятых. И этот найденный эффект электрической пульсации усиливается, если смотреть картины с близкого расстояния. По замыслу художника трехметровые холсты зрителю оптимально смотреть с расстояния не более полуметра.

Сегодня картины Ротко — гордость любого известного музея современного искусства. Так, в английской галерее Тейт есть зал Ротко, в котором живут девять картин из тех, что были написаны по контракту с рестораном Four Seasons. C этим проектом связана довольно показательная для характера Ротко история. В 1959 году к художнику по рекомендации обратились владельцы фешенебельного ресторана «Времена года», открывшегося в необычном нью-йоркском небоскребе Seagram Building (по названию компании — производителя алкоголя). Сумма контракта в пересчете на нынешние деньги составляла почти три миллиона долларов — весьма значительный гонорар даже для состоявшегося, признанного художника, каким в тот момент уже был Ротко. Тем не менее, когда работа была почти закончена, Ротко неожиданно вернул аванс и отказался передавать ее заказчику. Среди основных причин внезапного поступка биографы рассматривали нежелание угождать правящему классу и развлекать богачей за ужином. Есть также мнение, что Ротко расстроился, узнав, что его картин не увидят рядовые служащие, работающие в здании. Впрочем, последняя версия выглядит слишком уж романтично.

Спустя почти 10 лет часть холстов, подготовленных для Four Seasons, Ротко передал в дар лондонской Tate Gallery. По горькой иронии судьбы 25 февраля 1970 года, в тот день, когда ящики с картинами достигли английского порта, художник был найден в своей студии мертвым — с перерезанными венами и (видимо, для гарантии) огромной дозой снотворного в желудке.

Сегодня творчество Ротко переживает очередную волну искреннего интереса. Проходят семинары, открываются выставки, издаются монографии. На берегу Даугавы, на родине художника, установлен памятник.

Работы Ротко на рынке не являются исключительно редкими (как, например, живопись Малевича). Ежегодно на аукционах одних только его картин, не считая графики, выставляется примерно 10–15 штук. То есть не дефицит, однако за них платят миллионы и десятки миллионов долларов. И такие цены вряд ли случайны. Скорее это дань его новаторству, желание открыть новые смысловые слои и приобщиться к творческому феномену одного из самых загадочных русских художников.

С 2007 по 2012 самой дорогой работой Марка Ротко была картина «Белый центр (желтый, розовый и бледно-лиловый на темно-розовом)» 1950 года. В мае 2007 года ее продали за 65 миллионов долларов (72,8 миллиона долларов, если считать вместе с комиссией покупателя). Собирателям Ротко понадобилось пять лет, чтобы побить этот рекорд: 8 мая 2012 на торгах послевоенным и современным искусством Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое» 1961 года ушло за 86,9 миллиона долларов с учетом комиссии. Произведение происходит из собрания пенсильванского мецената Давида Пинкуса. Работу размером 2,4 на 2,1 метра Давид и его супруга Герри купили в Marlborough Gallery, а затем долгое время предоставляли ее в аренду Филадельфийскому художественному музею. Картина «Оранжевое, красное, желтое» стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим произведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.

МАРК РОТКО Оранжевое, красное, желтое. 1961

БАРНЕТТ НЬЮМАН


Черный огонь I. 1961


Холст, масло. 289,5 × 213,3


Christie’s. 13.05.2014. Лот 34


Эстимейт по запросу


Результат: 84,165 миллиона долларов

8. БАРНЕТТ НЬЮМАН. Черный огонь I. 1961. Christie’s, 13.05.14. 84,2 миллиона долларов

Нашему читателю 84 миллиона долларов за работу некого Барнетта Ньюмана могут показаться астрономической суммой. Абстракция Ньюмана, выходит, стоит дороже «Портрета доктора Гаше» Ван Гога, а также полотен Рубенса, Моне и Ренуара. Рекорд работы Барнетта Ньюмана «Черный огонь I» стал полной неожиданностью торгов Christie’s 13 мая 2014 года — не сам по себе факт рекорда, а то, до какой суммы сумели дойти претенденты в битве ставок. Предыдущая самая дорогая работа этого абстрактного художника, «Onement VI» стоила 43,8 миллиона долларов (Sotheby’s, 14.05.2013; эстимейт 30–40 миллионов долларов), т.е. новый рекорд почти в два раза превысил этот результат. Эстимейт «Черного огня», к слову, не разглашался, так что нам не узнать точнее, насколько он был превышен. Одно ясно: абстракции Ньюмана на арт-рынке вышли на один ценовой уровень с работами его ближайшего соратника в группе художников, получившей название «живопись цветовых полей», — Марка Ротко.

Ньюман относится к тому первому поколению американских абстрактных экспрессионистов, которое стояло у истоков огромного числа новых течений. Такие художники, как Барнетт Ньюман,


Поделиться: